水墨语汇：中国当代水墨佳作精选

1950年代起，由于科技发展日新月异，新生事物快速增加，而国际间往来频繁、互通有无，亦带动了文化艺术上的交流，这也使得许多新兴艺术家于创作过程中，对于传统绘画的构图与用笔上进行调整，以新知感性作为途径，创造出符合当代特性的水墨语汇。

上世纪中叶，在港、台等地区分别出现了 “新水墨运动” 以及 “现代水墨” 之发展，这些艺术家如吕寿琨、刘国松等，发展出从传统国画出发，加入设计观念，力求新发展的 “抽象水墨”，以及透过不同素材与媒介之使用，创作出不同以往表现形式的 “实验性水墨”。它们突破传统水墨画之框架，融合了西方当代艺术之技艺、思想与社会关怀，并对1980年代以后内地新兴艺术家起了示范与启发之作用，从而开创了如今充满活力与多元发展的当代水墨艺术。

刘丹的《太湖石》创作于2012年，作品中左侧所描绘的供石，外形优雅纤细，棱角轮廓鲜明，表面凹陷与突起彼此参差。而在画面右侧，刘丹以精练的楷书题以唐代诗人白居易诗句，平衡了作品整体构图，并提及太湖石原型为当代艺术家及古董收藏家曾小俊介眉堂所藏。画家运用其卓越且严谨的笔触，在微观的岩石表面刻划出光与影的细致变化，引导出岩体无所不在的皱褶，产生虚实不定的效果。

这种效果与法国后现代主义哲学家吉尔‧德勒兹时空褶皱的概念相互呼应，体现出一种无穷尽的生成过程和连续差异性。俄国哲学家维克托‧什克洛夫斯基曾主张，“艺术应表达对事物的感觉，而不是认知。” 深受其启发，刘丹透过捕捉及放大岩体表面琐碎的细节，创造出一个极其奇异的效果。对刘丹来说，岩石就象征着 “物质世界的缩影”，他在《太湖石》中提供观者一个无止尽开放式的阐释与可能性，引领观者进行一场穿梭时空的旅程。

此四件一套之李华弌团扇面作品以精致笔法捕捉四季风景，是画家艺术生涯极其特殊的创作。受北宋山水大家及近代泼彩巨匠张大千的影响，李华弌不受尺幅和空间的限制，创作出气氛渲染浓厚的多样作品。

扇面作品的创作要求甚高，画家需要调整手腕用力和眼睛对焦，于盈尺之间达到极致的笔墨控制与空间构建。本作中，李华弌融合泼墨技法与工笔传统，将丘壑、怪石、奇树以和谐的方式构置于画面中。这种技法的融合与创新使得本作成为画家生涯中的特别之作。

李华弌的艺术生涯始于幼时，他跟随上海的著名画家学习书法和绘画。后来他移居旧金山，逐渐演变出最具特色的画风。他笔下标志性的雄壮山水融合了传统笔法和现代创新，与自然万物交相辉映，亦蕴含了画家对于摄影及音乐的浓厚兴趣。

郑重宾对水墨语言系统进行梳理、实验与解构，以纯粹的水墨作为视觉的中心，将墨的物质性本身视为艺术创作的重点。郑重宾的白墨因有抽象立体的元素，“令水墨画更丰富，创造出一个多元的环境，从而使水墨的材质更加可触、可见。因引入丙烯这种外来媒材，清除了水墨语系中表达的障碍，扩充了绘画的视觉语汇。通过剪裁，分割与重迭的纸张，郑重宾营造出充满张力的视觉空间，令观者能静观个中哲理。突破二维空间并带入立体的质感，令观者可在《微风-2》这幅作品中看到风带来的动态和活力。

郑重宾的作品十分富有当代性，亦跨越不同媒介，突破传统水墨艺术家创作的媒介及界限，通过使用创新性的媒材，他的作品打破空间限制，传达出实验性的概念。他近期的项目包括于京都寺庙展示的装置艺术《流动的空间》，及于旧金山亚洲艺术博物馆展出的装置艺术《I Look for the Sky》。

彭薇毕业于南开大学获哲学硕士学位，其作品结合了中国文人画的经典美学与当代生活型态的表现方式。一袭古代汉服、一双绣履，是她长期以来的创作题材。他将山水、地图、世俗风物、神话题材等主题与宽松古典的汉服相融合，不同元素的碰撞产生和谐的效果，令古老的衣钵有了新的可能性。

彭薇在北京、上海、香港、台北等地都举办过个展，其作品亦被美国克利夫兰美术馆（Cleveland Museum of Art）、波士顿美术馆（Museum of Fine Arts, Boston）、旧金山亚洲艺术博物馆（Asian Art Museum of San Francisco）、纽约布鲁克林美术馆（New York Brooklyn Museum）、香港M+美术馆、中国美术馆、希克Sigg Collection等收藏。

1968年生于宁夏银川，曾师从胡公石学习书法，擅长书画装裱及古代书画修复。2012年毕业于清华大学美术学院，获得博士学位。泰祥洲通过临摹古代大师作品，深入研究中国山水画的根源，其作品曾在世界各地广泛展出，并被哈佛大学、耶鲁大学、普林斯顿大学艺术博物馆等艺术机构收藏。

刘国松早年专注于油画创作，至1961年重拾水墨媒材进行实验性的创作，以几何拼贴、抽丝剥筋法以及水拓法等创作技法提倡水墨画的现代化。1960年代所开创的狂草抽象系列，灵感源自于草书书法。他以狂草笔法大胆入画，在被弄皱的纸张上以寥寥数笔勾勒出传统山水画之构图，此风格为其30多岁时的重要突破。

陈其宽将建筑学对于时间、空间以及透视的掌握，和西方前卫艺术的元素，融合了中国艺术中所讲求的人文情怀，创造出了多元而绚丽多彩的水墨作品。1948至1960年间，旅居美国并以建筑师为业的陈其宽曾多次举办绘画个展，并在北美艺术圈中展露头角。此时期的作品中，陈其宽进行了现代美术转移媒材的尝试，同时也出现许多以描绘故乡情怀之作品，流露出浓厚的民族情感。

《朱颜》创作于1957年，便是一次将超现实主义所转化出来的拼贴技法，与传统中国山水作品结合的一种实验，创造出一种窥视窗外世界的视觉感。

陈其宽于1960年移居台湾，担任东海大学建筑系系主任。此时的山水作品开始探讨着人与大地、宇宙和空间的关系，呼应着传统文人画探讨天人关系的哲理。透过建筑师的理性视角，他将所思所见的世界加以变形、转化与重组，并在小尺幅的画面中，大胆使用蜡染、墨拓、滴彩等技巧进行创作。

《龙门》采用垂直二元分立的构图方式，将云南龙门峭壁之险峻呈现于细长的画幅中，左侧留白与右侧峭壁产生强烈虚实对比，而留白处以疏落有致的飞鸟、扁舟和岛屿，使一片虚无的空间中留有一丝动态感。

佳士得将于本季春拍为广大藏家呈献数幅陈其宽1950、60年代的精美作品，以纪念艺术家百岁诞辰。

此幅作品为方召麐1970年代开始创作之《船民》系列作品之一，画家以越南船民为主题，展现出画家对于社会议题之关怀与人道主义精神。艺术家本身的遭遇让他能够在面对艰难时展现强大的韧性，展现出乐观进取的人生态度，并展现于作品之中。尽管现实中的越南船民历经战乱与磨难，生活刻苦而艰辛，但作品中的船民却展现出丰衣足食的幸福氛围，展现出船民们对于未来的希望之追求与向往。