Ropac 伦敦展览｜亚历克斯·卡茨（Alex Katz）：威尼斯画作

2024年，亚历克斯·卡茨（Alex Katz）在第60届威尼斯双年展期间于乔治·奇尼基金会（Fondazione Giorgio Cini）举办了一场里程碑式展览。这次在Thaddaeus Ropac画廊巴黎庞坦空间，将首次重新集结卡茨这些在“水城”展出的作品。展览涵盖了艺术家在2021年至2022年间创作的三个主要系列，这些画作展现了其艺术实践的三个重要面向，而在其长达七十年的职业生涯中，这些系列的边界仍在不断拓展。本次展览中，一组基于20世纪中期美国时装设计师克莱尔·麦卡德尔（Claire McCardell）服装设计的作品，与大幅描绘深墨色海洋的近景作品以及以黄绿调为主的草原景观作品将共同展出。

《草地 三》，2021年。

亚麻布油画，320 x 609.6 厘米。

在20世纪80年代末至90年代，卡茨将大量精力投入到大型风景画的创作中，他将这些作品称为“环境式”的风景画。这些作品的发展轨迹在本次展览中展示的紧密裁剪、全景式的风景画和水景画中得以体现。正如艺术家对这些作品所说：“近景让画作拥有了更强的力量与能量。通过近景，我能够创作出一幅写实的画作，与德·库宁（de Kooning）或波洛克（Pollock）的作品相媲美。”直到2010年代，卡茨才开始创作多幅紧密裁剪的肖像，并将其按顺序排列在画布上，如同胶片画面一般，通过多角度的组合营造出“全景式”肖像的印象。他将这一电影化的构图逻辑重新运用到克莱尔·麦卡德尔（Claire McCardell）备受赞誉的服装设计中，这些设计如今收藏于伦敦的维多利亚与阿尔伯特博物馆（Victoria and Albert Museum）、纽约大都会艺术博物馆（The Metropolitan Museum of Art）以及洛杉矶郡艺术博物馆（Los Angeles County Museum of Art）。

《草地 四》，2022年。

亚麻布油画，304.8 x 609.6 厘米。

卡茨长期以来对时装设计怀有浓厚兴趣，尤其关注其与美国本土传统的关联。早在1960年，他就在著名作品《黑裙》（The Black Dress，现藏于慕尼黑布兰霍斯特博物馆）中向20世纪标志性的“小黑裙”致敬。到了1980年代，他对美国设计师诺玛·卡马利（Norma Kamali）的欣赏——而卡马利本人亦深受克莱尔·麦卡德尔（Claire McCardell）的影响——促使他创作了知名画作《双人舞》（Pas De Deux，1983年，现藏于缅因州科尔比学院艺术博物馆）和《伊鲁塞拉》（Eleuthera，1984年）。

《克莱尔·麦卡德尔 十》，2022年。

亚麻布油画，182.9 x 152.4 厘米。

在最近的一次访谈中，卡茨形容麦卡德尔的设计“自然纯粹”，这一特质与他极简的绘画风格相得益彰。展览中的多幅作品采用二元甚至三元构图，不同服装和模特的片段拼接，既呼应了立体主义的视觉策略，也借鉴了电影蒙太奇的手法。卡茨曾表示：“人们观看我的作品，用的是被电影和杂志训练过的眼睛。这些媒介拥有改变人们观看方式的特性，而我尝试利用它作为构建画作的关键。”作为一种视觉手段，这些分割和裁剪方式也与当今的数字影像框架产生共鸣，展现了卡茨对当代社会观看图像方式的敏锐洞察。

《克莱尔·麦卡德尔 三》，2022年。

亚麻布油画，121.9 x 182.9 厘米。

策展人埃里克·特罗西（Éric Troncy）写道：“卡茨作品中永恒的时间和风格，与时尚的根本和结构性无常相冲突，但同时也相共鸣。”正如卡茨所言：“时尚是短暂的。时尚中任何真正新颖的象征都将迅速变为平凡。”

《缅因州草地 三》，2022年。

亚麻布油画，304.8 x 304.8 厘米。

无论是创作风景画、水景画，还是肖像画，卡茨始终将自己定义为描绘“当下瞬间”的画家。作为一名年轻画家时，他正是通过风景画确立了自己的艺术语言。在斯科希根绘画与雕塑学校（Skowhegan School of Painting and Sculpture）学习期间，他深入缅因州的湖泊与森林，探索风景绘画的可能性。在那里，他像印象派画家一样，体验了户外写生的自由，用快速的油画速写捕捉自然之景，并在工作室中将其转化为大尺幅的环境式绘画。在本次展览中，卡茨描绘的草地作品经过放大与裁剪，使得被风吹拂的草叶呈现出静谧而强烈的美感。这正是卡茨作品的力量所在：它们既非完全抽象，也不刻意追求写实，而是聚焦于生活中某个短暂、不确定的瞬间，让诗意与抽象思维自纯粹的感知中自然浮现，而非依赖叙事。

《海洋 十一》，2022年。

亚麻布油画，213.4 x 304.8 厘米。

尽管水这一元素早在卡茨的艺术生涯早期就已反复出现，但直到1986年在惠特尼美国艺术博物馆（Whitney Museum of American Art）的回顾展之后，它才真正成为他作品中的独立主题。从20世纪80年代开始，卡茨创作了持续至今的“黑溪”系列，该系列的部分作品现藏于伦敦泰特美术馆（Tate）和巴黎路易威登基金会（Fondation Louis Vuitton）。在随后的几十年里，他继续探索光与倒影在水面上的变化，例如“深色倒影”（1995年，纽约惠特尼美国艺术博物馆藏）和 “灰洋”（2000年，伦敦泰特美术馆藏）。

本次展览通过一组海洋景观作品突出了卡茨艺术实践的这一方面。这些作品采用单色调，以富有表现力的白色笔触在深色背景上勾勒海浪翻涌或月光映照在无垠海面的瞬息变化。对卡茨而言，比起色彩，他更关注这些光影瞬间的流动形态。“颜色并不重要，”他在最近的一次访谈中表示，“只要光线捕捉到了，我就可以随意调整颜色。”

《海洋 十二》，2022年。

亚麻布油画，304.8 x 304.8 厘米。

卡茨的创作节奏极快，他采用湿画法（wet-on-wet），要求整个构图必须在第一层颜料干透之前完成。这促使他发展出快速而富有节奏感的笔触，以精准捕捉眼前景象稍纵即逝的印象。正如巴黎国家艺术史研究所（Institut national d’histoire de l’art）馆长埃里克·德·沙赛（Éric de Chassey）所形容的，这些作品是“感知与情感的某种沉淀（在化学意义上）”，其中艺术家的目标并非描述他所见之物，而是捕捉水的力量与情感。

关于艺术家

亚历克斯·卡茨肖像，摄影：Georg Hermann。

亚历克斯·卡茨（Alex Katz）于1950年代在纽约开始艺术创作生涯，当时正值抽象表现主义（Abstract Expressionism）发展的顶峰，他发展出独特的表现主义绘画方式。自 1954 年举办首次展览以来的七十年间，他创作了大量享负盛名的作品，包括绘画、素描、雕塑及版画。作为一位杰出的现代生活画家，他从电影、广告、音乐、诗歌以及他身边的朋友、家庭圈子中汲取灵感。他的作品源于生活，透过精心构思的笔触及扁平的单色，表达线条和形状。在卡茨的作品中，可以看到他对亨利·马蒂斯（Henri Matisse）的色彩感、简约手法的推崇以及他对美国风俗传统的兴趣。