2024 苏富比现代艺术拍卖现场
将于3月4日在伦敦现场举槌的苏富比现代与当代晚间拍卖会将涵盖超过一个世纪的开创性艺术创作。
从19世纪末20世纪初现代主义的诞生，到抽象表现主义和波普艺术的发展，再到今天的最新创新，本次拍卖将包括许多20世纪和21世纪最具影响力和最著名的艺术家的作品。
领衔本场晚间拍卖的是一件重要的奈良美智力作《宇宙之眼（在银河湖中）》，估价600至800万英镑，标志着奈良美智艺术生涯的转折点，展现了他从早期受漫画启发的平面风格，向更具情感深度与人性化的创作转型。 这件作品首次出现在拍卖市场。
英国街头艺术家班克斯（Banksy）的一幅罕见手绘作品也将亮相本场拍卖，该作品来自Blink-182乐队联合创始人兼贝斯手马克·霍普斯的收藏。此外，还将包括巴勃罗·毕加索、安东尼·葛姆雷和罗伊·利希滕斯坦的作品。
四件领衔
晚间拍卖的精品
ArtAlpha Market
/ 01
LOT10 奈良美智
《Cosmic Eyes (in the Milky Lake)》
《宇宙之眼（在银河湖中）》
丙烯、闪光材料于画布 2005，162x130.2 cm.
估价：6,000,000 - 8,000,000英镑
“与其仅仅让观众直面作品，我更希望激发他们的想象力……一个实验性的空间，让参观者有机会看到自己的倒影，仿佛我的作品是一面镜子或一扇窗户。对于那些不能或不愿真正去看的人，他们将一无所获。” ——奈良美智，引自：展览图录，纽约，亚洲协会，《奈良美智：无人是傻瓜》，2010年，第179页
作为奈良美智成熟创作中的一幅宁静之作，《宇宙之眼（在银河湖中）》诞生于2005年，标志着他从早期扁平化、受漫画启发的角色描绘，转向更具灵魂和人性化的主题。
画中的年轻女性主人公在一片波光粼粼的白色水域中涉水而行，她凝视着观众，那双巨大而闪烁的眼睛不仅向外注视，更将观众吸引其中。她的闪亮虹膜宛如浩瀚的星系，正如作品标题所暗示的那样。
《宇宙之眼（在银河湖中）》属于奈良美智在2004年至2005年间创作的十二幅大型肖像系列之一，也是其中仅有的四幅引入“宇宙之眼”主题的作品之一，标志着奈良艺术生涯中的一个重要里程碑。
这幅作品从未在拍卖会上亮相，且已有20年未公开展出，是奈良美智独特视觉语言的罕见典范，巩固了他作为二十一世纪艺术巨匠的地位。
《宇宙之眼（在银河湖中）》（局部）
奈良对眼睛的精妙刻画深刻揭示了其主题的内心世界。女孩迷人的凝视邀请观众不仅思考她的心理状态，也反思奈良在深夜作画时的情感，令人联想到梵高在《罗纳河上的星夜》（1888年）中的内省夜视。
奈良将眼睛视为主题与观众之间的桥梁——通往灵魂的门户。通过对虹膜的超凡深度和万花筒般的闪烁细节的描绘，他将这幅画从单纯的图像提升为情感景观，超越了视觉表现。奈良在这幅作品中对肌肤的处理也展现了非凡的细腻，柔和的桃色表面下隐约透出绿色、粉色和蓝色的微妙色调。画面的质感唤起了一种现代主义感性，令人联想到莫迪里阿尼和克里姆特肖像画中红润的面颊，以及印象派作品中温柔描绘的表面。
在这一实验性时期，奈良的调色板趋于柔和，硬朗的轮廓逐渐溶解，他从早期“像绘画一样画线”的方法转向更具绘画性的技巧。他旨在通过“像法国现代主义者那样按压”来创作作品，反映出他对质感和深度的日益关注，以及他在欧洲期间对西方艺术传统的涉猎。
奈良的这一转变使他的作品呈现出更为柔和和印象派的笔触，主题也因此展现出深刻的蜕变。
奈良的“彩虹”或“星空”眼睛首次出现在2004年的作品中，这幅上拍作品成为最早期的范例之一。在2004年至2005年间创作的7幅大型“大头女孩”绘画中，半数已被博物馆收藏，进一步凸显了《宇宙之眼（在银河湖中）》的稀有性。
《宇宙之眼（在银河湖中）》还展示了奈良作品中另一个反复出现的主题——涉水的形象。这一意象将奈良置于艺术史和宗教传统中，同时微妙地暗示了他对音乐的热爱。
歌手约翰·海亚特（John Hiatt）1975年专辑《Overcoats》的封面
自1980年代以来，奈良的作品中便出现了水坑的意象，灵感来源于歌手约翰·海亚特（John Hiatt）1975年专辑《Overcoats》的封面，其中描绘了音乐家半身浸入水中的场景。水在文化中具有深刻的象征意义，从基督教的洗礼仪式到佛教的普度仪式。
在奈良的作品中，银河湖承载着普遍的共鸣，象征着治愈、解脱和重生。对奈良而言，这一意象也隐喻了个体内在世界与外部现实之间的关系，主人公悬浮在一个空灵的空间中，仿佛在梦境与现实之间游离。
在这幅画中，湖泊无限延伸至画布之外，象征着无边无际的世界，与主人公宇宙之眼中那看似无尽的空间相呼应，将观众带入一个超越物理的领域。
奈良美智在工作室
站在近处，观众几乎能与她闪烁的眼睛和完美渲染的肌肤产生一种精神上的互动。这种效果让人联想到罗斯科的色域或莫奈的《睡莲》，在观众与画作之间形成一种动态的互动，画面表面不断变化。正如奈良在谈到他与罗斯科的联系时所说：“这不是关于一个年轻女孩的形象，而是关于层层堆积的颜料。这些层次会激发每个观看者的感性。我认为它会促使你与自己对话。这就是彩色绘画与黑白线描截然不同的地方。”
《宇宙之眼（在银河湖中）》代表了奈良艺术生涯中的一个关键时刻，将他标志性的主题和谐地融合为一个复杂而宁静的视觉体验。
正如《纽约时报》评论家罗伯塔·史密斯所描述的那样，这幅作品连接了“高雅、低俗和媚俗；东方与西方”。通过将西方现代主义技巧与他独特的漫画美学相结合，奈良创作了一幅邀请观众深入思考主题心理及自身情感反应的作品。
LOT 14 吉哈德·里希特 (b. 1932)
《干草 Heu》
布面油画
200.3x140cm，1955年作 编号 831-1
估价：5,000,000 - 7,000,000英镑
“我在每一幅画中试图做的，是将最迥异且相互矛盾的元素以最大的自由结合在一起，使其充满生机与活力。” ——格哈德·里希特，引自：迪特马尔·埃尔格和汉斯·乌尔里希·奥布里斯特编，《格哈德·里希特——文本：1961-2007年的著作、访谈与信件》，伦敦，2009年，第187页
格哈德·里希特（Gerhard Richter）的杰作《干草》（Heu）充满活力、气势恢宏且极具吸引力，是艺术家对绘画美学与概念能力探索的典范。
这幅作品创作于1995年，正值里希特传奇职业生涯的巅峰时期，并完美体现了其划时代的《抽象画》（Abstrakte Bilder）系列。该系列被广泛认为是过去五十年中最重要的抽象艺术探索之一。
即便在这一系列中，《干草》也因其令人印象深刻的尺寸而脱颖而出：这幅高达两米的画布是1995年完成的五幅同尺寸抽象作品之一，是该时期使用的最大画幅之一，其人体比例尺寸为观众提供了极具沉浸感的视觉体验。
高耸的画面呈现出一片令人叹为观止、充满交响乐般韵律的颜料领域，其精湛的技法和复杂的色彩令人着迷。画作中，红宝石色、翡翠色和蓝宝石色的华丽点缀在白色面纱下若隐若现，浓郁而粘稠的油彩如暴风雪般在画布上涌动，仿佛雪浪席卷悬崖的地质层。
吉哈德·里希特《干草 Heu》（局部）
《干草》的标题也颇具启发性：在1995年这一系列大型作品中，里希特根据每幅画最终呈现的效果，使用了与自然相关的词汇；这里的“干草”呼应了画布上精细的线条和条纹。在这幅画中，正如这一时期最优秀的《抽象画》所展现的那样，里希特展示了其独特的绘画技巧与思想深度，这些特质使他成为过去一个世纪中最受赞誉的艺术家之一。
《干草》散发出一种如薄雾笼罩的风景般的流动感，其色彩的和谐与抒情的共鸣传递出一种密集、混乱与浪漫的氛围。当绚丽的白色颜料如洪流般在画布上滑过，既覆盖又揭示出深红、青绿和石灰绿的层次时，《干草》展现了绘画的终极复写本：层层叠加的颜料承载着先前涂抹、擦除、重塑与覆盖的痕迹，这些色彩的并置在反复的创作过程中不断催生出新的思考。
吉哈德·里希特在工作室创作, 1994. Image: Benjamin Katz / DACS 2022. Art © Gerhard Richter 2022
在这里，我们看到里希特陶醉于其标志性刮刀工具的偶然滑动中，艺术家通过这一工具同时构建和侵蚀其迷人的画面表面，充分展示了里希特对媒介的掌控力。曾经半流质的颜料被固定在画布上，其曾经的柔韧性在一种永恒的动态静止中被捕捉。白色的全覆盖面纱具有反射而非吸收光线的特性，赋予这幅画一种闪烁的质感，而其对蓝色和绿色的增强则赋予其一种令人陶醉的美感，令人联想到卡斯帕·大卫·弗里德里希（Caspar David Friedrich）的崇高风景或克劳德·莫奈（Claude Monet）的《睡莲》。
在其极致的层次叠加与动态构图结构中，这幅画散发出丰富而神秘的联想。不断的擦除与对形式解决的否定很容易让人联想到自然现象，其效果至少部分源自一种自发的自然主义。
这幅画让人联想到乔治·修拉（Georges Seurat）和保罗·西涅克（Paul Signac）等新印象派艺术家为创造振动画面而运用的色彩理论，画布上每一寸区域内色调的不断变化与对比色的强烈变化创造了一个极不稳定的感知场。我们仿佛置身于色彩与运动中，如同面对大海或天空的自然现象。
“卡斯帕·大卫·弗里德里希的画作并非过去的事物。过去的只是使其得以创作的特定环境：例如特定的意识形态。除此之外，如果它是‘好’的，它就会超越意识形态，作为我们认为值得捍卫（感知、展示、创作）的艺术而与我们相关。因此，今天完全有可能像卡斯帕·大卫·弗里德里希那样作画。” ——格哈德·里希特，引自迪特马尔·埃尔格，《风景作为模型》，收录于展览图录，汉诺威，斯普伦格尔博物馆，《格哈德·里希特：风景》，1998年，第12页
自20世纪60年代末以来，里希特标志性的《抽象画》系列一直是其作品中的概念基石，对绘画媒介及当代视觉理解的基础进行了持续的哲学探索。延续了20世纪以擦除和激进简化作为图像创作模式的传统——既让人联想到蒙德里安（Mondrian）和马列维奇（Malevich）等早期现代主义者的作品，也贯穿至极简主义和抽象表现主义——里希特的《抽象画》直面绘画在当代的价值，挑战其艺术对“真理”的主张。
正如艺术家所言：“抽象画是虚构的模型，因为它们可视化了一种我们既看不见也无法描述但可以推断其存在的现实。”（艺术家语，引自展览图录，《第七届卡塞尔文献展：格哈德·里希特》，1982年，无页码） 挥舞着他标志性的刮刀，里希特的技巧赋予了一种必要的偶然性，以促进抽象作品的艺术意识形态。正如他所解释的那样：“我希望最终得到的是一幅我未曾计划过的画。这种任意选择、偶然性、灵感与破坏的方法可能会产生一种特定类型的画，但它永远不会产生一幅预定的画……我只是想从中得到比我自己能想到的更有趣的东西。”
这件作品现藏家2010年购于佳士得伦敦，这是15年来首次再现市场。
LOT 20 巴布洛·毕加索( 1881 - 1973)
《女子半身像Buste de femme》
布面油画
64.2x54 cm，1953年作
估价：4,000,000 - 6,000,000 英镑
创作于1953年7月7日的《女子半身像》（Buste de femme）是毕加索为艺术家弗朗索瓦丝·吉洛（Françoise Gilot）绘制的一幅极具力量的肖像画。
吉洛是毕加索在1943年至1953年间的伴侣与缪斯。在这幅作品创作时，两人正与他们的两个孩子克劳德（Claude）和帕洛玛（Paloma）生活在法国南部瓦洛里村的“拉加卢瓦”别墅（Villa La Galloise）。
毕加索于1943年结识吉洛，当时他仍与超现实主义艺术家多拉·玛尔（Dora Maar）保持着一段动荡的关系。吉洛迅速成为毕加索的缪斯，随后成为他的情人，她的青春活力为毕加索的肖像画创作注入了新的方向。
在接下来的十年中，毕加索创作了大量令人印象深刻的作品，见证了他与吉洛及两个孩子共同经历的快乐与满足。
“弗朗索瓦丝·吉洛的肖像具有一种圣母般的气质，与毕加索几年前所绘的痛苦形象形成鲜明对比。” ——弗兰克·埃尔加（Frank Elgar），《毕加索》，纽约，1972年，第123页
巴布洛·毕加索《女子半身像Buste de femme》（局部）
《女子半身像》以精致的色调优雅地呈现，凸显了毕加索对笔触、线条和形式的精湛运用。毕加索在构图中常常选择摒弃色彩，转而专注于笔触清晰度所提供的表现力，从而摆脱色彩的干扰。这幅作品以其克制的色彩和锐利的几何线条，呼应了毕加索早期立体主义作品的特点，体现了他对在画面空间中构建形式以及扁平化构图的持续关注。
通过使用不同饱和度的黑色、灰色和红色，毕加索在画面中创造了强烈的光影对比，赋予作品以深度。通过否定观众对空间感的认知并营造深度的错觉，毕加索将注意力完全集中在模特的细节以及画面自觉的绘画性上。通过对画面平面的分割，毕加索发展出了一种线性风格，这种风格常与他为吉洛绘制的肖像画联系在一起。
在这幅作品中，刻意柔和的色彩选择与明显的棱角形式反映了毕加索从早期与吉洛相关的“花之女子”（上图）形象的转变。正如毕加索学者迈克尔·C·菲茨杰拉德（Michael C. Fitzgerald）进一步指出的那样：“在这最后的几年里，毕加索的肖像画呈现出一个与最初引入他艺术中的吉洛截然不同的形象。与玛丽-泰蕾兹（Marie-Thérèse）的丰腴体态或奥尔加（Olga）的刻板心态不同，年仅28岁的吉洛现在呈现出毕加索曾用来描绘她的前任多拉的特征。”（M. C. 菲茨杰拉德，《野心的三角：与弗朗索瓦丝·吉洛在战后岁月中的艺术、政治与家庭》，收录于展览图录，纽约，现代艺术博物馆，《毕加索与肖像画：表现与转变》，1996年，第433页）
摒弃传统的透视观念，《女子半身像》呈现了一幅既让人联想到毕加索立体主义作品，又让人联想到20世纪30年代末至40年代初多拉·玛尔痛苦肖像的画作。女性形象棱角分明、扭曲的面部逐渐演变为一个反复出现的主题，毕加索在随后的几年中多次在油画中重新探索这一主题（图3）。在这些作品中，包括本作，毕加索通过人物形象的双重性、柔和的阿拉伯式花纹与锐利线条的对比，以及色彩的对比与融合，在主题与构图中创造了张力。
尽管许多扭曲的多拉·玛尔肖像创作于第二次世界大战期间，反映了那个时代的动荡，但毕加索在《女子半身像》中重新审视了这一视觉主题，以探索他个人生活中的不确定性。这幅肖像中的分裂面部形象可以看作是他与吉洛关系即将破裂的象征，吉洛被描绘为在思考她的过去与未来，同时做出离开毕加索、追求独立生活的重要决定。
正如菲茨杰拉德所指出的：“到1950年，毕加索和弗朗索瓦丝的关系逐渐疏远……在帕洛玛出生后，弗朗索瓦丝越来越专注于两项毕加索参与甚少的活动：抚养他们的孩子和发展自己的艺术。她拒绝了毕加索要求生第三个孩子的催促，转而重新开始绘画。毕加索为她绘制的肖像反映了这一变化，这种日益增长的分离最终导致她在1953年9月结束了这段关系。”（同上）
《女子半身像》属于毕加索在同年创作的一组油画，这些作品以黑色、灰色和白色为主色调描绘吉洛（上图）。正如卡门·希门尼斯（Carmen Giménez）在谈到毕加索频繁使用单色调时所指出的那样，在大多数此类作品中，“他回应了一种警觉状态，这种状态源于性或情感焦虑、创作上的专注，或对诸如西班牙内战、第二次世界大战或其他史诗级动荡事件的反应。”
毕加索为吉洛绘制的肖像画被多家著名博物馆收藏，包括马拉加毕加索博物馆、巴黎毕加索国家博物馆和耶路撒冷以色列博物馆。
《女子半身像》是市场上首次亮相的作品，此前已在现任藏家家族中珍藏超过40年。这幅作品拥有显赫的传承，曾属于里卡多·朱克（Riccardo Jucker）的收藏。朱克是米兰的一位意大利企业家，他建立了一个著名的现代艺术收藏，其中包括毕加索的多件重要作品，这些作品现藏于博物馆，如米兰装饰艺术博物馆的《裸女》（Femme nue，1907年）和贝加莫现当代艺术画廊的《巴斯酒瓶》（Bouteille de bass，1913年）。
《女子半身像》是对毕加索在与弗朗索瓦丝·吉洛关系关键时期心理状态的深刻反映。在这幅作品创作后仅仅几个月，吉洛便离开毕加索，带着两个孩子前往巴黎开始自己的新生活。凭借其大胆的形式表现与优雅克制的色调，《女子半身像》标志着毕加索与吉洛个人与艺术合作的巅峰。
LOT 16 卢西奥·方塔纳(1899-1968),
《空间概念，等待》
（Concetto spaziale, Attese）
水彩 画布
81.3x65.1 cm，1965年作
估价：3,200,000 - 5,000,000英镑
“对宇宙的发现是对新维度的发现，它是无限的：因此我刺穿了画布，这是所有艺术的基础，我创造了一个无限的维度……” ——卢齐欧·封塔纳（Lucio Fontana），引自展览图录，纽约，所罗门·R·古根海姆博物馆，《卢齐欧·封塔纳：威尼斯/纽约》，2006年，第19页
通过《空间概念，等待》（Concetto spaziale, Attese）表面上六道迅速而精准的切口，卢齐欧·封塔纳确立了他对二十世纪艺术最有力的贡献：对画面平面的突破。
这幅作品属于封塔纳备受推崇的“割痕”（tagli）系列，创作于1958年至1968年间的十年间，这些作品代表了封塔纳对画布的破坏性实践，并将空间视为一种物理与哲学的概念。在这里，非凡的割痕配置赋予了作品一种高度独特的构图平衡，割痕在绘画与雕塑、二维与三维的边界之间舞动。
卢西奥·方塔纳(1899-1968),《空间概念，等待》（局部）
本作的纯白色调进一步凸显了其独特性：纯净的概念与封塔纳著名的白色割痕作品密切相关，因为白色为艺术家提供了最纯粹、最有效的时空冥想渠道。因此，封塔纳的白色单色美学成为一种强大的“白板”（tabula rasa），等待动态行动的空白画布。
1966年，第33届威尼斯双年展上展出了一整间白色割痕画布的作品，每幅画布的纯白色调强化了每一道暴力切口的深度与虚空。类似的纯白色房间在封塔纳2019年纽约大都会布鲁尔博物馆的回顾展《卢齐欧·封塔纳：在门槛上》中重现，本作也在其中展出。
或许是对这幅作品明亮白色表面的反思，封塔纳在背面题字：“今天是一个阳光明媚的日子。”凭借其概念上的严谨性，并在同一私人收藏中保存了超过二十年，《空间概念，等待》展现了封塔纳作为二十世纪最重要艺术家之一的强烈张力与抒情感染力。
尽管看似冲动，封塔纳画布表面上的深刻割痕实际上是一种理性且精确的图像创作过程的结果。
在割痕系列中，封塔纳的创作始于将画布浸泡在乳胶漆中，然后让其干燥数小时。在用美工刀仔细刺穿表面后，他会用刀刃轻轻打开切口。最后一步，封塔纳在每道切口后面插入黑色纱布，以营造无限深度的错觉。
通过这种介于工程与偶然之间的微妙平衡过程，《空间概念，等待》呈现出一种雕塑般的质感，在动态与静止、二维与三维之间舞动。艺术史学家埃里卡·比利特（Erika Billeter）在1977年纽约所罗门·R·古根海姆博物馆封塔纳回顾展的文章中写道：“他用一道大胆的笔触刺穿画布并将其撕成碎片。通过这一行动，他向全世界宣告画布不再是绘画的载体，并断言传统的架上绘画——迄今为止艺术中的常态——受到了质疑。这一手势既暗示了西方绘画五百年演变的终结，也预示了一个新的开始，因为破坏带来了创新。”（展览图录，纽约，所罗门·R·古根海姆博物馆，《卢齐欧·封塔纳：威尼斯/纽约》，2006-07年，第21页）在这里，封塔纳将绘画的基础——长期以来被视为一种幻觉门户或教条载体——以一种极具创意与不敬的方式，亵渎了我们对画面平面的崇拜。
“我的割痕首先是一种哲学声明，一种对无限的信仰行为，一种对精神性的肯定。当我坐下来凝视我的割痕时，我立刻感受到精神的扩展，我感觉自己从物质的束缚中解放出来；一个与现在和未来的无限合而为一的人。” ——艺术家语，引自展览图录，纽约，所罗门·R·古根海姆博物馆，《卢齐欧·封塔纳：威尼斯/纽约》，2006年，第23页
封塔纳在1946年发表的《白色宣言》（Manifesto Blanco）中提出了割痕背后的理论。他呼吁与绘画的“维度性”进行对话，提出了空间主义（Spatialism）的概念；这种对运动、空间与时间的综合延续了二十世纪初未来主义者的美学词汇。贾科莫·巴拉（Giacomo Balla）和翁贝托·波丘尼（Umberto Boccioni）的早期作品提供了对运动、动力、能量与空间的类似思考，而封塔纳的割痕系列通过一种伪机械姿态的变革性系统进一步发展了这些思考。当美国艺术家关注于姿态的解放时，封塔纳则试图彻底重新发明它。本作的白色调进一步强调了这一艺术创作革命的生成可能性：封塔纳认为白色是“最纯粹、最不复杂、最易理解的颜色”（恩里科·克里斯波尔蒂，《卢齐欧·封塔纳，绘画与空间环境作品全集》，第一卷，布鲁塞尔，1974年，第137页）。白色的历史纯净联想在封塔纳的刀锋下被颠覆，画布上的切口类似于圣凯瑟琳、圣方济各和基督身上的圣痕伤口。
封塔纳的作品既对比了表面与深度，又将传统与当代性结合在一起。他借鉴了艺术与理论的经典传统，却将其抛向历史；他的割痕创造了一个永恒的当下，本作中的严峻与激进感被永久定格。
封塔纳在1948年写道：“艺术消亡了，但被姿态拯救。”（艺术家语，引自展览图录，纽约，所罗门·R·古根海姆博物馆，《卢齐欧·封塔纳1899-1968：回顾展》，1977年，第19页）
在艺术家职业生涯最具形成性的十年中创作的《空间概念，等待》，展现了封塔纳对传统绘画概念的挑战与重新定义，以及他对美学边界的颠覆、创新与自由的追求。在这里，封塔纳的观众被引导超越绘画的物理事实，进入无限制的空间与无边界的深度的哲学思考。
*封塔纳的割痕与空间概念的发展
1933年：封塔纳在米兰工作室创作《沐浴者》（Bagnante），标志着他作为雕塑家的早期探索。
1946年：发表《白色宣言》，提出艺术类型的综合与传统材料的摒弃。
1947年：创立空间主义运动，强调艺术与科学的结合。
1949年：创作早期的“孔洞”（Buchi）系列，为割痕系列奠定基础。
1958年：割痕系列首次亮相，成为封塔纳职业生涯的重要里程碑。
1966年：在第33届威尼斯双年展上获得国际绘画大奖，巩固了空间主义在艺术史上的地位。
LOT 6 班克西(b.1974),
《原油（维特里亚诺）》
油画，原装画框
109.5 x 55.2 cm，2005年
估价：3,000,000 - 5,000,000英镑
“如果你想作为一名涂鸦艺术家生存下去，当你进入室内时，你唯一的选择就是继续在那些不属于你的东西上作画。” ——班克斯（BANKSY），《墙与碎片》（WALL AND PIECE），伦敦，2006年，无页码
《原油（维特里亚诺）》（Crude Oil (Vettriano)）是班克斯挑衅性作品中最为人熟知且大胆的作品之一——这是一幅罕见的完全手绘的画布，体现了艺术家作为文化煽动者和机智社会评论家的角色。
班克斯的作品根植于朋克的反体制精神，始终是一种反抗的表演性行为；是对艺术世界僵化结构及其决定品味、文化与商业价值的机构的拒绝。从他早期在布里斯托尔街头涂鸦，到将他推向国际舞台的游击式干预，他的实践始终是对权威、等级制度和传统的直接挑战。
Jack Vettriano, 歌唱的管家, 1992
《原油（维特里亚诺）》首次亮相于2005年班克斯的标志性展览《原油：重新混合的杰作、破坏与害虫画廊》（Crude Oils: A Gallery of Re-mixed Masterpieces, Vandalism and Vermin），班克斯在此重新诠释了深深植根于现代英国绘画经典中的形象：杰克·维特里亚诺1992年的《歌唱的管家》。这幅作品描绘了一对夫妇在风雨中优雅起舞的场景，充满了浪漫的幻想与逃避现实的氛围。
《原油（维特里亚诺）》自2011年起一直收藏于blink-182乐队主唱马克·霍普斯（Mark Hoppus）的收藏中：这位表演者三十年的职业生涯同样由那种定义班克斯作品的不敬与局外人精神所塑造。
霍普斯他将把此次画作拍卖所得的部分资金捐赠给加利福尼亚州消防基金会以及洛杉矶的两家医疗慈善机构——洛杉矶儿童医院的儿童生活项目和西达赛奈血液肿瘤学研究项目，以帮助洛杉矶市在遭受毁灭性野火袭击之后的重建工作。
维特里亚诺的这幅广受欢迎的画作被班克斯精心重塑，如今描绘了一艘沉没的油轮和两名身着防护服的人推着一桶有毒废物。班克斯以幽默和讽刺的方式抨击艺术界，提出了一个复杂的对话，探讨了环境、污染和资本主义景观等当今时代的紧迫问题。在这场视觉颠覆中，《原油（维特里亚诺）》体现了班克斯实践的核心原则：对艺术界及其他领域权力、品味和权威结构的不敬却深思熟虑的挑战。
通过挪用《歌唱的管家》并颠覆其田园诗般的意象，《原油（维特里亚诺）》成为对流行文化净化与艺术合法性选择性验证的讽刺评论。
、
《歌唱的管家》是这一代人中最广为传播的图像之一，2004年在苏富比拍卖会上以744,800英镑的价格成交，成为当时苏格兰艺术家拍卖史上最昂贵的画作。
然而，这次拍卖却引发了艺术界主流的矛盾情绪，《卫报》次日的头条标题捕捉到了这种情绪：“被嘲笑但受欢迎的艺术家画作以744,800英镑售出”（《卫报》，2004年4月20日，在线）。维特里亚诺在大众中的热烈反响——通过这幅画的持久影响力及其衍生的无数周边产品得以证实——与艺术界主流的排斥之间的脱节，触动了班克斯的神经，他长期以来一直抨击艺术界精英的霸权。
“被破坏的画作反映了当今的生活。我们不再生活在康斯特布尔（Constable）的《干草车》（Haywain）那样的世界里，如果你生活在这样的世界里，山的那边可能有一个旅行者营地。对我们环境的真正破坏不是由涂鸦艺术家和醉酒青少年造成的，而是由大企业造成的……正是那些在墙上挂着金色画框风景画并试图告诉其他人该如何行事的人。” ——班克斯，2005年10月13日接受Channel 4 News采访
2005年，班克斯举办了他的首次传统画廊展览，即如今具有里程碑意义的《原油：重新混合的杰作、破坏与害虫画廊》，这是一次对传统展览形式的激进干预，成为他职业生涯的决定性时刻。展览在诺丁山Westbourne Grove的一家废弃商店举行，标志着班克斯向更正式画廊环境的过渡，同时保持了他在街头恶作剧中的颠覆精神。
《原油（维特里亚诺）》被醒目地展示在橱窗中，立即为这场挑战艺术界等级制度的展览定下了基调。如今，这场展览被视为班克斯作品中的里程碑，展出了《原油（维特里亚诺）》以及其他三幅完全手绘的经典作品“重制版”：一幅无花的梵高《向日葵》；一幅爱德华·霍珀（Edward Hopper）《夜鹰》（Nighthawks）的重新诠释，其中一名身着英国国旗的流氓打碎了酒吧的玻璃窗；以及《给我看莫奈》（Show Me the Monet），一幅对克劳德·莫奈（Claude Monet）田园诗般的日本桥的尖锐重新想象，将其转变为当代垃圾的场景。
尽管维特里亚诺广受欢迎，但与班克斯一样，他的作品仍然明显缺席于主要机构收藏，这种脱节突显了大众吸引力与批评分歧之间的持久分裂。对班克斯而言，这种文化悖论——艺术家的作品被公众推崇却被艺术界精英忽视——长期以来一直是他迷恋与批判的源泉。通过将维特里亚诺的《歌唱的管家》与梵高、霍珀和莫奈——这些深植于机构经典中的艺术家——直接对话，班克斯进行了一次刻意的挑衅，质疑了品味仲裁者与艺术机构的排他性。
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ArtAlpha Market
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据近期新闻报道，富裕阶层似乎正在大规模离开英国，而新出台的税收规则更是雪上加霜。不少艺术经销商表示他们担心这些规则将如何影响英国的艺术市场，并担忧这是否会促使更多收藏家将艺术品购买转向其他地方。
虽然英国脱欧可能开启了这一外流趋势，但当前工党政府取消非定居税收规则的政策引发了最多的争议。
苏富比对比似乎并不担心。该拍卖行的税务、遗产及英国博物馆和信托负责人朱利安·华盛顿（Julian Washington）接受艺术新闻访谈时，对百万富翁离开英国的报道应持“一定的怀疑态度”。
“确实，许多富人因国家税收制度的变化而离开，但税收问题不应成为决定性因素，”他说。他质疑，对于这些精英阶层来说，少缴税是否真的是“最重要的单一因素”。“如果是这样，他们将不得不在其他地方重新建立全新的生活。”
与艺术市场的许多其他问题一样，我们只能拭目以待，看看是乐观者还是悲观者最终在这场开春的拍卖中被证明是正确的。
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